What metadata standard are you ?

We had just launched a CD-ROM version of the interactive kiosk system we built for the National Gallery. The real National Gallery. The one in London. Microsoft Art Gallery, buy it on Amazon now. It was a fairly big deal at the time and it made the press and a kid’s television news program – now that’s press coverage. I committed the introduction of the piece to memory:

Scientists have managed to shrink the entire collection of the National Gallery onto this CD…

I am a scientist.

My other claim to fame at this time was to have my hand photographed holding said CD-ROM for a piece in the technology section of the Grauniad newspaper. I’d provide a link but the Guardian archive doesn’t go back that far, oh well. I should add these attributes to my resume, Scientist and Hand Model.

Anyway, Computer Wizardy turned up again today in reference to a show going up in Amsterdam next week, see NY Times: Digital Images of All Rembrandt’s Work on Show:

“full-sized digital reproductions that attempt to recreate the works as they emerged from the artist’s studio rather than as they exist today”

and the offending piece:

Employing computer wizardry, pieces of canvas or panel that were sliced off centuries ago have been patched back on. Colors are restored to the vibrancy they had when they came off the master’s brush. Details hidden in darkness because of aging pigments emerge into view.

And if you really want to be offended:

In some ways, the high resolution images are more authentic than the real paintings, said Ernst van de Wetering, a leading Rembrandt scholar who supervised the project.

Gotta hand it to the Dutch, they’ve legalised Drugs, legalised Prostitution and now they’re legalising passing off digial surrogates as the real thing. (I wonder what the job market is like out there…)

C’est une exposition sur les collections de Martin Parr plus que sur ses photos, dont seulement deux séries sont présentées à l’intérieur du Jeu de Paume (et une à l’extérieur, voir plus bas) : celle pleine d’humour acide et misanthrope sur les riches de ce monde en appelle plus au sens du ridicule qu’à la réflexion sociale. Sans doute est-il plus acceptable de faire ressortir les travers des millionnaires que ceux des classes moyennes en vacances; en tout cas, je reste nostalgique du photographe en noir et blanc dans les Midlands qui était alors encore un ‘humaniste’ avant son succès. L’autre série est le portefeuille sur les villes anglaises commandé par The Guardian : un honnête documentaire, sans plus.

Plutôt que les gadgets divers recueillis un peu partout à la mémoire des gloires passées (Thatcher, Sadam Hussein, Staline) ou actuelles (l’expo démarre avec des capotes Obama et des sandales du même acabit) qui font seulement sourire, le grand intérêt de cette exposition est la collection de photographies et de livres accumulés au fil des années par Martin Parr. Il y a là un très bel ensemble de travaux des photographes anglais documentaires et humanistes, et aussi une belle collection internationale. Certaines sont un peu grinçantes telle cette moitié de maison par Peter Mitchell (Mr and Mrs Hudson, Seacroft, Leeds) qui agrémente son cadre de petits phallus volants, suffisamment kitsch pour qu’on comprenne leur inclusion ici. Mais la plupart sont empreintes d’un humanisme doux, ainsi ce Père et Fils, West end of Newcastle, Tyneside de Chris Killip, avec cet homme à la laideur gingivale finalement assez émouvante.

En écho à ce père souriant ou grimaçant, j’ai remarqué, dans un coin reculé de l’exposition, dans une vitrine le fameux livre pacifiste Krieg dem Kriege d’Ernst Friedrich, qui est un véritable encyclopédie de gueules cassées de la première guerre mondiale : il est ouvert sur une double page et, pour je ne sais quelle raison, erreur ou volonté d’épargner le spectateur, la photo de droite, épouvantable d’horreur, est présentée sous une feuille plastique qui la brouille partiellement. Quand l’horreur est manifeste, Martin Parr la voilerait-il pudiquement à nos yeux, pour rester dans l’acceptable, l’ironique, le sensible humaniste ? Son rapport à l’histoire se limiterait-il à caricaturer les cibles faciles de Thatcher et Hussein ?

J’avais du mal à le croire , mais mes doutes se sont renforcés quand, sur le départ, regardant les photos de touristes présentées à l’extérieur du Jeu de Paume, je suis tombé sur ce cartel : même Netanyahou et l’extrême droite israélienne n’osent pas prétendre que la ville palestinienne de Bethléem est en Israël. Martin Parr, aussi grand collectionneur soit-il, semble décidemment avoir une vision du monde un peu particulière.

Un livre de sa collection, en haut, s’intitule bien Why my Photographs are bad, par Charles M. Taylor Jr. (publié par George W. Jacobs & co, Philadelphie, 1902) mais il ne parle que de technique.

Photos de l’auteur, à l’exception de Chris Killip, courtoisie du Jeu de Paume.

Children and teens get in free–beautiful objects, great didactics, engaged visitors, interactive demos…they are doing it all right!

http://www.cmog.org/

Commençons par les acquisitions récentes: comme les collections de la MEP ne sont pas exposées en permanence, on ne les voit que rarement, à l’occasion de prêts ou d’expositions temporaires. Cette présentation des acquisitions récentes pourrait être une bonne occasion de tenter de saisir une tendance; ce n’est pas vraiment le cas (on voit mieux les lignes de fond au Centre Pompidou). Ici on retrouve certains des Saul Leiter vus à la Fondation HCB, les photos assez prévisibles de Mohamed Bourouissa et une étrange vidéo où l’histoire d’amour de Paolo et de Francesca dans la Divine Comédie est récitée en arabe sur un plan fixe de décor floral, par Marie Bovo. L’autre vidéo, de Marion Tampon-Lajariette (quel joli nom !) est bien plus intéressante : les dialogues sont ceux du film de Hitchcock La corde, et, nous dit-on, les mouvements de la caméra, travellings, gros plans ou panoramiques, sont en tout point identiques à ceux de la caméra de Hitchcock. Mais, au lieu des personnages de Hitchcock, nous ne voyons que les vagues, dans une mer ‘forte à moyennement agitée’ comme on dit. C’est évidemment un travail formel, conceptuel, où le film original est réduit à des caractéristiques éparses, non signifiantes et pourtant essentielles : c’est un déplacement assez déroutant. Mais ma découverte parmi les acquisitions est le Japonais Masao Yamamoto, aperçu déjà à la galerie Camera Obscura (et non Oscura) : sa série “Kawa = Flow” (Kawa désigne l’eau qui ruisselle d’une montagne après la pluie) est empreinte d’une poésie légère, zen, et, sur la photo ci-dessus, ironique et sensuelle (sur l’importance du vide dans ses photographies, on peut lire ceci). C’est un peu une quintessence d’art japonais. 

L’ingrat petit espace après les WCs et le restaurant est dévolu à Claude Lévêque (oui, encore lui !). Il faut s’y placer exactement dans l’axe du mur de séparation et se reculer le plus possible, dos au fond de la pièce : devant ces yeux en très gros plan, qui, dès lors, se reflètent au sol, on ressent un léger vertige, un flottement, une instabilité. On peut distinguer chaque cil, chaque poil des sourcils, et, au fond de l’iris, le reflet des jambes de l’artiste (Le Crépuscule du Jaguar). C’est une représentation du regard, toute simple comme toujours chez Lévêque, et très forte, comme une ‘métaphore de la photographie’. Et le jeune garçon filmé ici jamais ne cille, jamais ne se laisse perturber par un évènement extérieur, une émotion ou un rayon de soleil. Je me souviens d’un artiste qui tentait de ne pas cligner des yeux sous les bombes, et dont l’émotion impuissante transparaissait ainsi; nous avons ici son antithèse, l’absence de réaction d’un jeune psychotique si j’en crois le texte d’accompagnement, et je ressens une empathie tout aussi forte avec lui qu’avec Batniji en résistant obstiné. La suite demain.

Photo Yamamoto courtoisie MEP; photo Lévêque de l’auteur. Claude Lévêque étant représenté par l’ADAGP, la photo sera ôtée du blog à la fin de l’exposition.

Was ist der Vorteil, wenn Sie die verschiedenen Social Media Tools für Ihre Kultureinrichtung nutzen? Wenn Sie bloggen, twittern oder Ihre Präsenz in den diversen Netzwerken aufbauen? Wahrscheinlich geht es Ihnen darum, möglichst viele User mit Ihrer Botschaft zu erreichen bzw. mit ihnen in den Dialog zu treten. Und dann hoffen Sie noch auf den Netzwerkeffekt, damit möglichst viele Menschen von Ihnen und Ihren Angeboten erfahren.

Dieser Multiplikatoreffekt ist es, der das Social Web so attraktiv macht. Während Sie mit einem Brief oder einem Email-Newsletter einen klar eingegrenzten Personenkreis erreichen, kann Ihre Nachricht über Blogs oder die verschiedenen Netzwerke eine ungeahnte Verbreitung erfahren. Wer wünscht sich nicht, dass plötzlich tausende User auf die eigene Website oder das Blog zugreifen?

Das Problem dabei: wie plant man so eine Aktion? Gar nicht, behaupte ich. Ich kann für die entsprechenden Rahmenbedingungen sorgen, damit das eintreten kann, was ich mir wünsche. Aber so etwas wie eine Garantie gibt es dafür nicht. Ganz im Gegenteil. Häufig erleben Sie solche Effekte, wenn Sie es gar nicht erwarten. Und es ist nicht gesagt, dass das, was da kommuniziert wird, eine positive Message enthält. Schlechte Nachrichten werden wesentlich lieber weitergegeben als gute.

Wie unerwartet solche Dinge geschehen, habe ich gestern erlebt. Als in der Nacht auf Freitag kurz vor Mitternacht auf Twitter die ersten Nachrichten vom Tod Michael Jacksons auftauchten, war ich betroffen. Und zugleich unsicher, denn es war nicht klar, ob diese Informationen stimmten. Mit der Musik Michael Jacksons bin ich groß geworden und deshalb suchte ich auf YouTube eines der meiner Meinung besten Lieder von ihm raus und stellte ihn in einem kurzen Beitrag online.

Das Resultat: anscheinend war ich damit sofort auf der ersten Seite, wenn man bei Google nach Michael Jackson suchte, denn die Zugriffszahlen explodierten und am Tagesende hatte ich zehnmal so viele Zugriffe wie an nomalen Tagen. Als ich den Beitrag online stellte, geschah das ganz spontan und ohne Hintergedanken. Hätte ich so eine Aktion geplant, dann hätte ich wahrscheinlich den idealen Zeitpunkt verpasst bzw. sie wäre niemals so erfolgreich gewesen, was die Zugriffszahlen angeht.

Aber dieses Erlebnis zeigt mir: das Potenzial des Internets ist ungeheuer groß, nur lässt es sich nicht wirklich in den Griff bekommen. Das macht seinen Reiz aus, dahinter steckt aber auch ein Risiko, denn kalkulieren kann ich solche Sachen eben nicht.

The article is terrific but even more terrific are the comments posted below, it’s so good to know there are so many whimsical people left in the world.  Give me your tired, your poor, your platypuses yearning to breathe free…..

Date: Friday, July 10
Time: 7:30
Admission: $3.00

Curious Expeditions Presents: Antique Science

An evening of unexpected and obscure nature films. Each short film will be introduced by Jessica Oreck, director of Beetle Queen Conquers Tokyo, a beautiful documentary on insect collecting in Japan.

The evening will feature the trailer for Oreck’s fascinating film, as well as short films by Jean Painleve, the great french nature documentarian of early avant-garde documentaries on everything from crystals to seahorses to vampire bats.

Then we’ll have a look at The Cameraman’s Revenge, a silent stop-motion film from 1912 by the Polish animator, Wladyslaw Starewicz (1882-1965). The leading players of this short animation are real insects.

Antique Science will also introduce you to a behind-the-scenes film documenting the techniques of Disney’s vintage nature films. The films of insect-life and plant time lapses are beautiful, the early filming techniques awe-inspiring, and the 1950s naturalist couples who made them adorable.

We’ll round the evening off with a outtake reel from one of our favorite nature hosts, plus a few other surprises, time warranting.

PR-Doktor Kerstin Hoffmann hat einen Beitrag, der das folgende Video enthält mit “Vorsicht: Satire” überschrieben. Es gibt Momente, da kann ich die Einschätzung nicht teilen. Und wahrscheinlich bin ich da nicht der Einzige.  Obwohl, probieren darf man ja. Darf man?

Er war ein genialer Kopf und ich kann mich noch gut an die Zeit erinnern, als dieser Song aktuell war. Billard spielen und Michael Jackson hören statt in die Schule zu gehen. Das war damals die Devise. Gerade habe ich auf Twitter gelesen, dass er gestorben sein soll. Was soll ich sagen: Danke für die vielen guten Songs…

A few years ago we noticed that we were having trouble getting our emails through spam filters. We wanted to use HTML email because it is prettier and people enjoy reading it more—and they seem to respond better. Creating HTML email upped our spam scores with many ISPs, though, and of course, creating lots of HTML emails (this is not the place for my rant on what “HTML email” means, code-wise) was not how we wanted our web developer to spend time.

We migrated from one vendor to another, and right now, when we send out e-letters, we use a service called Constant Contact. The service is, indeed, admirable and reliable in some regards. They made it relatively easy for us to set up templates so that regular staff can put together the e-letters and e-blasts without relying on our developer. But, that just scratched the surface of what it turned out we needed.

First, Constant Contact seems to assume that we have one e-letter. Oops, we have several. So, when you unsubscribe from one, it shouldn’t mean that you are asking us not to contact you at all—it could very well mean, “I’m tired of hearing about your educational program, but I love your regular e-letter”. This is not necessarily true in Constant Contact-land, so we probably have considerably more churn than our subscribers intended.

To ensure that we are not confused with spammers, we go to great lengths to subscribe only people who ask to be subscribed. We then have to ask them to confirm. And we have to accept that lots of people never get, see, or respond to those confirmations. This also means that it is usually useless for us to subscribe someone manually—if they can’t even figure out how to fill in the “send me your e-letter” form, what are the odds that they’ll see the confirmation message and respond appropriately? (I have mixed feelings about this. We all had to learn how to deal with snail mail. We’ve all had to learn how to fill out traditional forms. We’ve all had to learn how to confirm that those do-gooder telemarketers claiming to represent political or charitable organizations that matter to us actually represent such organizations. We don’t give out social security numbers over the phone (most of us). Why would we wring our hands because some people draw a line and just aren’t going to figure out email?)

But what I really wanted to talk about is how to manage these e-communications. In theory, what we need is one database with everyone’s email address, noting what types of communications people want (and for our development folks, to which types of emails specific people respond so that we don’t send email to people who aren’t interested in that subject or cause). Nobody seems to be doing this well. Our current CRM company (DonorPerfect) is pretty miserable at managing this, and we’d basically have to write an interface for subscribers and get it to talk to DP on our own. Then, of course, we’d have to export the list each time we wanted to send a mailing. We’ve looked at tools like Kintera (the things we’ve heard about Kintera support would blister your ears) and Convio (I have yet to get a Convio user email me and admit to same—whether in love with the tool or hating the tool). Maybe they work. But I’d hate to throw out our existing CRM system so that I could experiment and find out. I’m sure there is a way of figuring this out. And I’m especially not going to let them manage our website after we have finally gotten Drupal, a good, open source CMS, working for us (and even moreso after looking at Convio- and Kintera-generated websites with their wonky spider-unfriendly URLs and horrid HTML).

I gotta figure this out because it is useless that I cannot communicate with people interested in our organization in ways that work with what interests them, especially in a time when I want them to be giving us money while financial worlds are melting down around us.

Who’s found something that works? that fits their organization’s needs? What are you doing? What makes it work for you?

Mit dem Abschluss dieses aufwändigen Digitalisierungsprojekts ist nun nicht nur ein Online-Zugang in den Bibliotheksbestand des documenta Archivs, sondern auch in die Bild-, Video- und Pressesammlung möglich. Ein Folgeantrag für die vollständige Medien-Bearbeitung der späteren documenta-Ausstellungen 6 bis 12 wurde an die DFG gestellt und wird hoffentlich bewilligt, damit der gesamte Schatz “gehoben” werden kann. Die Datenbank ist im Internet zugänglich unter http://documentaarchiv.stadt-kassel.de. Es lohnt sich, rein zu schauen!

L’objet ne l’intéresse guère en soi, il n’est que moyen de parvenir à une certaine vision, de bâtir une chromatie complexe, dérangeante, qui vient en quelque sorte perturber l’image, polluer notre vision, la rendre plus sensuelle, moins digne de confiance, moins indicielle. Ce ne sont pas des trompe-l’œil, le photographe ne prétend pas montrer un autre réel, mais entraîner son spectateur dans une expérience de perception visuelle. Le regard compte infiniment plus que la chose vue.

Ces parasols ont en eux-mêmes si peu d’importance que John Batho va s’orienter ensuite vers des objets encore moins réels, encore moins présents, et, de ce fait, davantage à même de recréer cette impression pure, cette expérience unique de
la couleur. Photographier des Papiers Froissés (1987-1990) tient de la gageure, voire du gag. L’objet photographié, dérisoire, n’est plus qu’un déchet, il perd toute existence, tout intérêt, sinon, justement, celui que lui confère le photographe en l’instaurant support de couleur et de lumière. Si la série des Nuages Peintures (1998) a encore une attache matérielle, encore que vaporeuse et cousinant avec la peinture, on perd quasiment tout sens du référent face aux Papiers-lumière (1992) sur fond noir ou devant les Surfaces (1994-1996), habile jeu de construction d’un écran marin et d’un cadre, dont le seul et unique sujet est la perception lumineuse.

Comme ces images quasi abstractisées semblent inciter à la méditation, encore que l’auteur se défende de tout spiritualisme, la tentation est grande de les mettre en résonance avec la peinture chinoise classique. Le peintre chinois de paysages (le genre le plus noble) ne peint pas un sujet donné, il peint à chaque fois le monde ; il ne représente pas la nature, il reproduit son processus incessant, il peint le cosmique. Si personnage il y a, il est peint à l’unisson du monde, intégré tout autant qu’un rocher ou un bambou. Ce refus de la mimesis, de la représentation / imitation du monde, au bénéfice d’une vision plus essentielle, transmettant l’esprit plutôt que la forme, c’est aussi ce vers quoi John Batho semble tendre.

On n’en est que plus surpris par l’apparition de la figure humaine dans le travail de John Batho, apparition plutôt récente, en noir et blanc, et qui est aussi une disparition. Passons sur les Nageuses (1990); mais l’argument de Présents & Absents (1998) * dénote une approche plus référentielle, métaphorique plutôt que conceptuelle. Ces silhouettes grises, floues, tremblantes, capturées sur un fond de camera obscura empreinte de buée et remarquablement présentées en chicane sur des cimaises elles-mêmes en verre dépoli au début de l’exposition (certaines avec un miroir les reflétant au sol) fascinent. Dans leur solitude, ces images à taille humaine attestent d’une présence, d’une mémoire absolue mais non identifiable. Elles représenteraient un développement très intéressant du travail de John Batho sur la forme et la lumière (la couleur se réduisant désormais aux nuances de gris) si ce dernier ne leur conférait une plus grande littéralité, évoquant à leur sujet les disparus (juifs et non-juifs) de Vilnius pendant la deuxième guerre mondiale. Cette littéralité, cet ancrage voulu dans l’histoire, même incertain, liant l’image à une mémoire, est tout à fait louable, mais sape la rigueur hautaine et détachée du formalisme de ce travail. En voulant, pour la première fois, montrer qu’il est (aussi) humain, John Batho a, si j’ose dire, perdu sa superbe, et donc sa pureté.

Tout au fond de l’exposition, une des séries les plus récentes montre des Cartes à jouer érodées, délavées par le temps, dont traits et couleurs sont effacés : cet effacement, ce brouillard de la mémoire me semble un travail certes moins fort visuellement mais esthétiquement plus aboutis que les figures de l’entrée.

* Rien à voir avec cette chronique d’un absent présent.

Toutes images copyright John Batho, courtoisie du service de presse de la BNF.

In der letzten Zeit habe ich viele Texte und Beiträge geschrieben, um die Idee der stART.09 zu verbreiten und natürlich auch Werbung zu machen. So ist vor kurzem der Beitrag “Philharmonie 2.0” in den Kulturpolitischen Mitteilungen erschienen, der dankenswerterweise online zur Verfügung steht. Das gleichnamige Projekt der Duisburger Philharmoniker ist ja so eines der Vorzeigeprojekte, wenn es um das Potenzial von Web 2.0 im Kunst- und Kulturbereich geht.

Beeindruckend ist es für mich aber, wie sich das Projekt stART.09 in den letzten Wochen und Monaten entwickelt hat. Als wir im letzten Herbst über die Idee einer Konferenz nachgedacht haben, trauten wir uns erst gar nicht, in den entsprechenden Größenordnungen zu denken. Heute ist das anders, was vor allem daran liegt, dass sich rund um die Konferenz herum ein ständig wachsendes Netzwerk gebildet hat.

Wir, die wir zu viert mit der Arbeit an der stART.09 begonnen haben, sind seitdem auf viele Menschen getroffen, die von der Idee begeistert sind und uns dabei unterstützen, die Konferenz auf die Beine zu stellen. Alleine würden wir das wahrscheinlich auch gar nicht schaffen. Von daher kann ich heute schon für mich sagen, dass sich die Arbeit gelohnt hat und lohnen wird. Egal ob das Kultureinrichtungen sind oder Unternehmen, Internetportale oder Ausbildungseinrichtungen. Sie alle engagieren sich und ich bin dankbar, dass ich so viele interessante Menschen kennen lernen darf.

Und schon jetzt zeichnet sich ab, das die Zusammenarbeit nicht mit dem 25. September beendet sein wird, sondern darüber hinaus Bestand haben wird. Wenn sich daraus ein Netzwerk an der Schnittstelle von Kunst, Kultur und Web 2.0 entwickelt, dann hat die Konferenz einen ihrer Zwecke bereits erfüllt.

Derzeit sind wir dabei das Programm fertigzustellen. Auf dem Blog der stARTconference werden wir die Vortragenden nach und nach vorstellen. Fehlen also eigentlich nur noch Sie als KonferenzteilnehmerIn.  Bis Monatsende gilt noch der Super Early Bird Tarif (weiß eigentlich jemand, warum der so heißt?), kaufen können Sie die Tickets online. Ich hoffe, wir sehen uns.

This morning as I was walking over to my last day of Fluid Engage (http://fluidproject.org/projects/fluid-engage/) at the University of Toronto, enjoying the sunshine and 90 degree weather at 9 am in the morning I came upon an analogy for why I’m concerned about the topic of user-generated content.  What popped into my tiny dinosaur brain this morning is the idea that user-generated content is like “self-satisfaction” (that’s a euphemism by the way). User-generated content makes the person generating the content feel good and it accomplishes several goals of museums (to allow the visitor to give something back,  to feel like they are a part of the institution, the  information provided  is frequently relevant and useful to museums).   Ultimately though users generating their own content is  not as all consumingly satisfying as having an intimate, emotional connection with another person about content that both parties are passionate about.  I’m hoping for a world where  interesting user-generated content meets engaging museum-generated content and we all get a big bang for our buck.  

And…if you would like to see a list of other euphemisms for self-satisfaction (and you have a sense of humor and aren’t easily offended) try this link: http://www.p7a77.net/mums/mumsterms.html.

© Kersten Schröder; Pixelio

Wie kommen eigentlich Journalisten zu ihren Informationen? Wer das weiß, hat den Vorteil, dass er sich, wenn er Journalisten erreichen möchte, an deren Vorlieben orientieren kann. Nur wie recherchieren Journalisten denn?  Welche Kanäle nutzen sie? Von den österreichischen Journalisten wissen wir es nun.

Die Agentur Babnik Communications hat nämlich österreichweit 900 Journalisten zu ihrem Online-Verhalten befragt. Dieses Ergebnis ist nicht überraschend:

“94% der 170 Journalisten, die den Fragebogen ausgefüllt haben, nutzen regelmäßig Suchmaschinen und Websites”,

heißt es in der Presseaussendung. Auch auf Wikipedia setzen viele, genauer gesagt 50%. Gar nicht mehr angesagt sind hingegen Presseaussendungen in Papierform.

Wer Journalisten erreichen möchte, dem empfiehlt Geschäftsführerin Elisabeth Babnik einerseits einen gut strukturierten Pressebereich auf der eigenen Website, andererseits aussagekräftige Betreffzeilen in den Presseaussendungen und natürlich leicht zugängliches Bildmaterial. Vor allem letzteres kann ich bestätigen. Immer weniger Artikel erscheinen ohne dazu passende Fotos.

Wer da für entsprechendes Material sorgt, hat schon mal Pluspunkte gesammelt. Vorausgesetzt die Journalisten kommen an die Fotos ran. Langwierige Anmeldeprozeduren sind da eher hinderlich, mit einem passwortgeschützten Zugang vergraulen Sie auch den letzten Journalisten.

Ja und wie sieht er aus, der Pressebereich?

“Wünschenswert sind Pressebereiche, die mit einem Klick erreicht werden können und klar aufgebaut sind. Aktuelle als auch ältere Meldungen müssen chronologisch abrufbar sein, Fotos von Vorständen, Produkten, aber auch nicht-werbliche Sujetbilder zum Unternehmen sollten auf der Presseseite in Druckqualität zum Download angeboten werden”,

so die weiteren Ergebnisse der Befragung. Nachdem 94% der antwortenden Journalisten die Unternehmenswebsite als Informationsquelle angeben, sollten Unternehmen (und Kultureinrichtungen) ihr auch die entsprechende Aufmerksamkeit schenken.

Eher selten sind Journalisten im Social Web zu finden. Der Wert von Blogs, Social Communities oder auch YouTube wird als gering eingeschätzt.  Ich möchte das jetzt nicht pauschal bewerten, aber ich informiere mich in den für mich interessanten Themenbereichen großteils auch mit Hilfe von Weblogs. Deren Geringschätzung ist, denke ich, nicht mehr zeitgemäß.

Aber gut, wenn man sie im Social Web nicht erreicht, dann muss man halt bei der Email bleiben. Worauf Sie hier achten sollten:

“Für 88% ist hier ein aussagekräftiger Betreff wichtig, um das E-Mail im meist überfüllten Posteingang überhaupt wahrzunehmen, gefolgt von der Bekanntheit des Absenders (68%) und dem Namen des Unternehmens in der Betreffzeile (45%)”,

ergab die Befragung. Was aber ganz wichtig ist: Für Journalisten spielt es keine große Rolle, ob sie direkt angeschrieben werden oder ob die Aussendung sie über das OTS-Portal erreicht. Das heißt, Sie müssen sich gar nicht so sehr auf einzelne Personen konzentrieren, sondern kommunizieren über das Presseportal (wobei eine Aussendung dort mit Kosten verbunden ist). Wenn Sie wissen wollen, welche Chancen Sie haben, mit Ihrer Aussendung in den Medien zu landen bzw. wie Sie es am geschicktesten anstellen, dann werfen Sie doch einen Blick in die – allerdings schon zwei Jahre alte – Medienresonanz-Analyse zu APA-OTS-Aussendungen (siehe dazu auch mein Blogpost “Welche Resonanz hat eine Presseaussendung?“).

Ich habe ja schon viele nette Dankeschön erhalten. Per Email, telefonisch oder auch im persönlichen Gespräch. Aber das hier freut mich ganz besonders. Danke Cornelius!!

<reminisce>Cross-browser testing used to be so much easier. First it had to work on Netscape, ‘cos that’s all there really was, then it was IE ‘cos that’s all there really was. There was a period in between when the distribution was equal so it was a question of allegiance, and now it looks as though we’re at that point again with IE and Firefox.</reminisce>

But I’ve been using Opera because it has one really essential feature. Nope, nothing to do with the social networking hooks it provides. The most essential feature for me, and I’m not sure I can explain it fully, is that it works incredibly fast with our online purchasing card provider. For some reason, reviewing and updating items on our payment system is extremely slow on IE and Firefox, but instantaneous on Opera. Sadly, a chunk of my time is spent reviewing and approving visa payments – boy do I wish I could do that to “she who must be obeyed” – so having something that can do it much quicker is crucial.

The next release of Opera has some really compelling features, almost revolutionary (although the strict interpretation of “revolution” is “the same thing coming around again and again”). According to one of Opera’s Product Analysts, Opera Unite addresses “the Internet’s unfulfilled promise”. A hefty claim but this product might actually speed up the appearance of a social operating system.

From Opera’s Website, its built-in features include:

• File Sharing – A simple and safe way to share files directly from your computer
• Fridge – A “fun” place for people to leave notes on your computer
• Media Player – Access your complete home music library from wherever you are
• Photo Sharing – Share your photos with friends around the world without the need to upload them
• The Lounge – Invite your friends to a chat in The Lounge hosted on your computer

If these weren’t enough it also features a built-in Web Server. Now we’re talking.

There have been lots of conversations about Cloud Computing (Wikipedia: a style of computing in which scalable and virtualized resources are provided as a service over the Internet – think Google Docs), and as many people are happy with storing their data in the cloud as there are unhappy people. So, while you may be happy to host your content on Flickr or Facebook among others, with this product you can host it yourself.

Naturally there’s a caveat: you have to join the Opera network. I probably won’t but as a step towards a time when you have a product like Opera hosting all your stuff that you bring to the social network party, rather than having to join individual networks a re-enter the same information, bio, pics, etc, this is pretty awesome.  In such a world, questions like what happens to my images when Flickr goes tits-up become irrelevant.

If you’re really, really interested in Opera Unite, see this great (somewhat cynical) review: Thoughts on Opera Unite by Chris Messina.

Si vous passez le pont (de Sèvres), vous pourrez voir à la Générale dans l’exposition un peu fourre-tout dénommée Supernova (jusqu’au 27 juin) deux choses très intéressantes : d’abord le travail de Béatrice Duport (la signalisation est assez déficiente, j’ai remarqué plusieurs pièces anonymes qui me plaisaient à des endroits différents, pour découvrir ensuite qu’elles étaient de la même artiste). Ses cartes et ses tapis de prière en pièces d’un centime diversement usées, les unes très claires et cuivrées, les autres de plus en plus sombres et bronzées, attirent l’attention. Elle montre aussi une vidéo où, dans un paysage pivoté de 90°, ciel, terre et eau se meuvent à des vitesses différentes, dans des directions différentes : c’est très déroutant, une perte de repères et de perspective, un beau travail sur le mouvement; cette mince bande de terre avec quelques maisons est laminée entre un ciel quasi immobile et des eaux tumultueuses.

L’exposition franco-tchèque de vidéos Spectator Novus au sous-sol est l’autre partie intéressante de cet ensemble, avec entre autres, ‘Replaced Brno’ où l’artiste tchèque Barbora Klímová recrée des performances dans l’espace public avec des corps incongrus, à peine visibles mais dérangeants, dans l’inspiration de Jiri Kovanda, et une très belle séquence de Maxime Thieffine où pendant 8 minutes, en silence, il découpe et réduit en poussière le contenu d’un poudrier de fond de teint, puis le filtre à travers une passoire (Les niveaux de gris) : la beauté des grains de poudre, matière tout à fait picturale, rend terriblement sensuel ce travail méticuleux qui confine à l’absurde.

Pour conclure ce papillonnage, Gil & Moti, à la Galerie Eric Dupont (jusqu’au 24 juillet) sont un couple inséparable et mimétique, comme deux jumeaux, et cela est déjà partie de leur oeuvre. Israéliens vivant en Hollande, ils réalisent des performances ’sociales’, militent pour la paix (une vidéo montre le violoniste Yossi Gutmann jouant sur un toit de Tel-Aviv un pot-pourri des hymnes israélien et palestinien) et produisent des aquarelles simples et naïves, mais parfois très fortes : ainsi de celle-ci où le mur semble avoir dévoré le visage du personnage en keffieh.

Au Musée Fabre à Montpellier dans la cour, ce socle pour Artiste Célèbre, désespérément vide (cliquez pour mieux voir). Où est-il passé ?

On peut aussi s’émerveiller devant la sûreté de son regard et de sa capture à la sauvette, ainsi de la vue de Simiane qu’Yves Bonnefoy raconte prise à la volée, d’un geste négligent tout en poursuivant sa conversation en traversant la place du village et où les lignes sont droites et les poses évidentes de simplicité. On peut sourire devant l’apparition, au bas de la photo des bonnes soeurs processionnantes de Tralee en Irlande, de la dentelle du bord du film, preuve dudit non-recadrage, mais que j’ai lu aussi comme une évocation surréaliste des dessous des jupes de ces nonnes. On peut se sentir complice de son émoi face aux seins nus d’une jolie Balinaise à Ubud en 1949, ayant ressenti la même émotion au même endroit 50 ans plus tard. On peut aimer le voyageur qui disait “Une fois arrivé quelque part, j’ai presque toujours le désir de m’y établir pour mieux encore mener la vie du pays” et moins aimer l’”humaniste” aux images parfois trop simplistes. Sa prose limpide et épurée fait un contraste saisissant avec le discours ampoulé que Michel Terrapon tint en 1975 lors de la première occurrence de cette exposition à Fribourg, tel qu’on peut le lire dans une des vitrines.

Car, et c’est là le grand intérêt de cette exposition, il s’agit d’une re-création, d’une exposition d’exposition. Cartier-Bresson donna 73 tirages de cette exposition fribourgeoise au Musée en 1982 et ce sont ces mêmes tirages qui sont à nouveau présentés ici, certes selon une séquence différente, mais dans un esprit similaire. C’est un peu une mise en abyme, un discours critique sur l’exposition (qui va fort bien de pair avec l’exposition deux étages au-dessus sur Bernard Lamarche-Vadel, dont je parlerai bientôt). C’est une exposition qui nous permet de voir le chemin accompli en moins de trente ans quant à la reconnaissance de la photographie comme art.

Il se trouve que les tirages donnés étaient inventoriés par le Musée comme des documents et non comme des oeuvres et que quatre d’entre eux ont disparu dont cette reproduction d’une photographie prise par HCB dans un camp de réfugiés au Punjab en 1947, au moment de la partition de l’Inde : ces hommes, bras levés au ciel, sandales abandonnées, dansent-ils ou fuient-ils ? Le texte au mur expliquant cette perte qualifie ces photographies d’abord de tirages, puis d’images et enfin d’oeuvres : ce glissement sémantique en quatre lignes traduit bien le glissement en termes de valeur en trente ans.

Et puisque c’est une exposition d’exposition, la mise en abyme ultime aurait pu être une photographie où vous verrez dans une demi-pénombre deux jeunes garçons visitant le Musée de Naples : les formes sensuelles des statues antiques émergent de l’obscurité avec une sensualité un peu mystérieuse; l’un des garçons, en culottes courtes, semble gêné devant tant d’impudeur marmoréenne, un doigt aux lèvres, alors que l’autre, plus audacieux, se déhanche pour mieux voir. Mais je n’ai pas trouvé de bonne reproduction. Alors, pour parachever votre réflexion sur la meta-exposition, voici la police parisienne chargeant les artistes contestataires lors de la fameuse exposition pompidolienne au Grand Palais organisée par le futur académicien Jean Clair (Vernissage de l’Expo 72 au Grand Palais, Paris).

À noter le montage cinématographie de ses planches contacts (sur une idée de William Klein !!) présenté au fond de l’exposition : j’aurais aimé un diaporama moins ‘poétique’ (et sans musique) mais nous permettant de mieux comprendre quelle image il décidait de tirer, d’essayer de cerner son choix, son regard. C’est en fait assez frustrant. Heureusement, il y a sa voix !
On peut utilement lire les actes du colloque sur HCB l’an dernier, intitulé Revoir Cartier-Bresson (en vente chez Dessin Original à 27.55 euros), qui conjugue la vision traditionnelle humaniste sur HCB, et des approches plus novatrices, comme celle de Michel Poivert à propos de son influence sur la photographie d’aujourd’hui.

* C’est ainsi le cas pour l’exposition en cours à la Maison Européenne de la Photographie (jusqu’au 30 août), par ailleurs très dense et très bien.

Photos copyright Henri Cartier-Bresson / Magnum. Les reproductions seront ôtées du blog à la fin de l’exposition. 

© Andreas Lochmann; Pixelio

Wie ist das denn bei Ihnen? Sprechen Sie darüber, wenn etwas schief läuft? Oder erfahren Außenstehende nur selten, was bei Ihnen passiert? Mal abgesehen von Presseinformationen und dem, was bei offiziellen Anlässen verlautbart wird.

Eine ähnliche Frage stellt Clive Thompson in seinem Wired-Artikel “The See-Through CEO” und berichtet von einem Online Broker, der sich als, sagen wir, Nestbeschmutzer betätigte und dafür geschnitten wurde. Statt die Probleme, die er mit seinen Berufskollegen hatte unter den Tisch zu kehren, machte er sie in seinem Blog öffentlich. Nun könnte man meinen, dass er damit sich und die ganze Branche zugrunde richten würde. Aber das Gegenteil trat ein, zumindest was ihn betraf: die Geschäfte begannen zu laufen. Nach dieser Erfahrung ist sich Glenn Kelman sicher:

“I honestly believe that if Redfin were stripped absolutely bare for all the world to see, naked and humiliated in the sunlight, more people would do business with us.”

Der Aufforderung, ihm auf diesem Weg zu folgen, sind mittlerweile viele – auch große – Unternehmen nachgekommen:

“Now firms spill information in torrents, posting internal memos and strategy goals, letting everyone from the top dog to shop-floor workers blog publicly about what their firm is doing right – and wrong”,

schreibt Thompson und weist darauf hin, dass für die Unternehmen wichtige Entwicklungen nicht mehr unter Ausschluss der Öffentlichkeit vorangetrieben werden, sondern diese nun ganz bewusst in diese Prozesse eingebunden wird. “…asking the global smartmob for a little help” formuliert es der Autor so schön und konstatiert:

“The Internet has inverted the social physics of information.”

Während es früher hieß: je geheimer, desto besser, gilt heute das Gegenteil. Oder wie sagt Tony Hsieh, CEO der Firma Zappos?

“The more they know about us, the more they’ll like us”,

und spricht damit die Kunden an, die sogar noch einen Schritt weiter gehen und  damit beginnen das Unternehmen zu unterstützen. So würden aus Kunden Partner, meint Thompson.

Aber noch ein anderer Aspekt ist interessant an dieser (verordneten?) Offenheit. Alles was da so von sich gegeben wird, lässt sich nicht mehr ungesagt machen. Es bleibt online und wird über die Suchmaschinen gefunden. Wobei Thompson Google & Co. eher als ein “reputation-management system” denn als Suchmaschine sieht:

“And that’s one of the most powerful reasons so many CEOs have become more transparent: Online, your rep is quantifiable, findable, and totally unavoidable. In other words, radical transparency is a double-edged sword, but once you know the new rules, you can use it to control your image in ways you never could before.”

Online-Reputation funktioniere anders als in den klassischen Medien, schreibt er weiter. Informationen lassen sich nicht mehr unterdrücken.  Das führe zu einem Paradox, denn man könne der Online-Welt nicht mehr entkommen. Die einzige Möglichkeit, Einfluss auszuüben sei es, ein Teil von ihr zu werden:

“Being transparent, opening up, posting interesting material frequently and often is the only way to amass positive links to yourself and thus to directly influence your Googleable reputation.”

Dieser Satz ist Programm, wenn es um das richtige Verhalten im Social Web geht. Aber seien wir ehrlich: das ist leichter gesagt als getan. Schließlich sind wir in einer Gesellschaft aufgewachsen, wo genau das Gegenteil propagiert wurde und größtenteils auch noch wird.

Meiner Meinung nach ist diese Transparenz noch an anderer Stelle sinnvoll. Viele KünstlerInnen haben Angst davor, dass andere von ihren Ideen erfahren und diese klauen oder kopieren. Deshalb sind viele Kulturschaffende äußerst zurückhaltend, wenn es um das Kommunizieren der eigenen Ideen geht.

Ich bin davon überzeugt, dass auch in diesem Fall Transparenz die bessere Alternative ist. Je offener Sie ein Thema besetzen, desto schwerer wird es anderen fallen, Ihre Idee zu klauen. Ich versuche diesen Ansatz hier im Blog zu leben, indem ich Inhalte weitergebe und teile. Immer wieder werde ich gefragt, warum ich das mache? Erstens bin ich davon überzeugt, dass sich Ideen besser zusammen entwickeln lassen und zweitens gilt für mich: je aktiver man ist, desto größer auch die Chance, Prozesse mitzubestimmen.

Bleibt die interessante Frage, ob es dabei eine Grenze gibt und wenn ja, wo die liegt? Ehrlich gesagt, ich weiß es nicht. Wissen Sie denn, wo Ihre Grenze liegt?

À côté de cette douleur sobre, Jan Fabre, aussi spectaculaire soit-il, semble un peu grandiloquent avec ses immenses installations à l’Arsenale Novissimo (jusqu’au 20 septembre). Le plafond de la salle à manger du Roi des Belges (où je n’ai pas encore été convié à dîner) est recouvert de carapaces de scarabées moirées où la lumière joue sans fin. Mais l’Histoire y a fait irruption, le passé colonial de la Belgique ne se laisse pas oublier aisément et le plafond a commencé à se boursoufler, comme parasité par un organisme vivant, puis il a crevé, donnant naissance à ce corps d’homme noir nu à la peau zébrée de cicatrices de coups de fouet : cette installation du plafond renversé, Le ventre, est saisissante et on se prend à croire qu’il s’agit d’un figurant. L’exposition de Jan Fabre s’intitule Des pieds au cerveau : elle explore différentes parties du corps avec plus ou moins de bonheur. Le sexe est bien évidement interdit, en tout cas d’accès, on ne peut que le surplomber à distance. L’artiste en jeune homme, à l’érection également juvénile et en éjaculation permanente (Fontaine du monde), est couché au milieu de pierres tombales d’artistes et d’écrivains identifiés à des noms d’insectes en flamand (Duchamp est un grillon) : puissant mais pas très subtil. Quant au cerveau, un peu plus loin, Fabre en Lilliputien creuse le cerveau d’un géant au milieu des tranchées. Là encore, si l’artiste sait en effet impressionner, on se prend à regretter la finesse cultivée de son exposition au Louvre.

Devant le Palais Grazzi (je parlerai des collections Pinault dans quelques jours), dans la petite église San Samuele (où un pélican se déchirant le ventre surmonte un Christ en croix), je découvre l’exposition Paradise Pavillon : Into the Light de Marialuisa Tadei (qui est aussi au pavillon de la république de San Marino, que je n’ai pas visité). Moins convaincu par ses pièces en deux dimensions accrochées aux cimaises, je suis par contre charmé par la légèreté de ces filets remplis de plumes qui flottent dans le choeur comme des fantômes angéliques (Equilibri). Tout ici est légèreté et transparence, des boules de verre au sol reflètent la chapelle et ces rubans multicolores (Waterfall) que le vent agite sont comme des berlingots succédanés de bonheur. Sa pièce la plus complexe est une grande installation, précédée de l’injonction dantesque (Vous qui entrez ici…) où on s’aventure précautionneusement sur un sol de verre qui semble exploser de couleur à chaque pas, pour apercevoir par un trou de serrure le paradis perdu, blanc, emplumé, chérubiné. Un peu trop d’effet, serait-on tenté de critiquer, mais de la poésie pure, ésotérique et enchanteresse. De cette élève de Kounellis, je me dis, feuilletant son catalogue, que j’aimerais aussi voir ses pièces plus tragiques ou plus charnelles.

La façade de Ca’ Farsetti sur le Grand Canal s’orne de l’immense portrait photographique d’une jeune femme, dû à Braco Dimitrijevic, qui, à son habitude, capture le visage d’inconnus dans la rue et en fait des héros d’un jour. A Ca’ Pesaro, ce sont des visages connus qu’il expose (ici, sauf erreur, Malevitch et Magritte), portraits d’artistes et écrivains érigés précairement dans des barques emplies de chaussures récupérées à Sarajevo, comme pour passer le Styx, pour rejoindre les morts. Une belle installation mémorielle.

Ne vous fiez pas trop à l’affiche vous promettant Bill Viola à l’exposition sur l’eau à Ca’ d’Oro : il y a certes quelques vidéos (dont ‘The Reflecting Pool’, un monument, sur lequel le livre de Jean-Paul Fargier est remarquable), mais la magie Viola n’agit pas dans ce contexte, sur ces petits écrans, au milieu d’un discours pédagogico-culturel sur l’eau. En bas du palais, au bord du canal, une belle installation très simple de Fabrizio Plessi où l’eau coule sans fin au milieu des barques.

Pour conclure, à la Fondation Gervasuti, près du Goebbel’s Bikini Bar, la bibliothèque de la Coréenne Woojung Chun est un antre sombre, un cabinet noir où les étagères offrent corps et têtes coupées, bouches d’où s’échappe un fil de lettres, et un globe terrestre : une atmosphère oppressante, une quête du savoir impossible, des échos borgesiens en font une installation philosophique des plus impressionnantes.

Voilà pour la Biennale. Dans quelques jours, les palais Pinault.

Photos de l’auteur excepté : Hatoum Witness, Fabre Sexe et Tadei White street, courtoisie des services de presse.

“Invest in a Community Manager”, meint Connie Benson am Ende ihrer Präsentation zum Thema “Community Manager Role is Changing Corporate Communication“. Von Communitys reden wir zwar häufig, aber wie gehen wir eigentlich damit um? Und vor allem wer geht mit ihnen um?

So ganz ist das Thema Community ja noch nicht bei uns angekommen. Zumindest nicht im Kunst-und Kulturbereich. Wenn wir uns ein Theater vorstellen, in dem sich eine Bühne und ein Zuschauerraum befinden, dann ist da selten von Community die Rede. Viel eher heißt es: wir da oben und Ihr da unten.

Natürlich gibt es mittlerweile einige Kultureinrichtungen, die das Web 2.0 für sich entdeckt haben und wissen, dass sie dort mit ihren Zielgruppen kommunizieren können. Das passiert auch, zum Teil sehr erfolgreich. Schaut man sich dann aber die Berufsbezeichnungen derjenigen an, die diesen Job übernommen haben, dann entdeckt man die unterschiedlichsten Bezeichnungen. Den Community Manager konnte ich aber nirgends entdecken.

Warum er für jedes Unternehmen und natürlich auch für Kultureinrichtungen wichtig ist und über welche Fähigkeiten er verfügen muss, darüber hat Connie Benson in ihrer Keynote auf der Community 2.0 gesprochen. Hier ist ihre Präsentation:

In Ergänzung dazu finden Sie hier die Aufzeichnung ihres Vortrags als Video und außerdem hat Connie Benson die wichtigsten Punkte in einem Blogpost zusammengefasst.

Für mich sind vor allem die Folien 6 bis 9 interessant. Darin wird nämlich deutlich, dass der Job des Community Managers eine Querschnittaufgabe ist (siehe Folie 6). Das ist aber auch, denke ich, ein Hinweis darauf, dass wir unser Kastendenken aufgeben müssen. Es gibt nicht mehr DAS Marketing oder DIE PR.

Und worin liegt für die Unternehmung der Mehrwert eines Community Managers? Benson listet sie in Folie 7 auf:

• “Humanize the Company (give it personality)
• Represent the Brand in conversations
• Build relationships and increase loyality
• Identify and recruit brand advocates
• Bring a new perspective to the company
• Engage with new markets
• Build internal team”

Wer macht das bei Ihnen bzw. sorgt sich da überhaupt jemand darum?

In diesem Jahr ist aber etwas anders. Im Allgemeinen werden in den Länderpavillons zeitgenössische Künstler aus den jeweiligen Ländern präsentiert. Das ist natürlich kein Muss, aber für Besucher gerade interessant, weil man so Kunst aus unterschiedlichen Ländern sieht, Gemeinsamkeiten und Unterschiede, Verbindendes und Trennendes kennenlernt und Neues sieht. Die Kreativen müssen natürlich nicht die deutsche Staatsbürgerschaft haben, es können auch Künstler sein, die hier dauerhaft leben. Kurator Nicolas Schafhausen hat sich allerdings in diesem Jahr entschieden, den in New York und London lebenden Briten Liam Gillick auszustellen.

Gillick gehört zu den Young Britisch Artists, jenen in den Neunzigern kometenhaft aufgestiegenen jungen britischen Künsltern um Damien Hirst, Tracy Emin, Jenny Saville, Sarah Lucas und Chris Ofili. Warum Schafhausen keinen deutschen Künstler wählte, erschließt sich mir nicht, es gäbe so viele wunderbare Künstler in diesem Land, dass man eigentlich die Qual der Wahl hat. Schade drum, aber nun gut. Man könnte diese Auswahl ja auch als Hinweis darauf verstehen, dass Kunst keine Grenzen kennt und die Probleme, mit der sich Künstler auseinandersetzen (müssen), überall auf der Welt ähnlich sind. Und Deutschland ist ja mit Wolfgang Tillmans, Ulla von Brandenburg, Tobias Rehberger und Hans-Peter Feldmann eigentlich auch gut vertreten.

Wäre Gillick ein Glücksgriff, hätte ich vielleicht nur gegrummelt, aber das was uns Gillick zeigt, ist an Banalität kaum zu überbieten. Man betritt den Pavillon durch einen Vorhang aus bunten Plastikstreifen. Gillick hat in den Räumen eine selbst gebaute Küche aufgestellt, eine die an IKEA in den achtziger Jahren erinnert – können sie sich erinnern? Kiefernholz, eckig, praktisch und sterbenslangweilig. Vorbild war allerdings die “Frankfurter Küche”, ein Entwurf der Wiener Architektin Margarete Schütte-Lihotzky, die diese einfache und pragmatische Küche 1926 für Arbeiterwohnungen entworfen hatte. Die Küche ist komplett leer, nur auf einem der Schränke sitzt eine Katze. Die beeidruckt wenigstens damit, dass sie spricht. Sie erzählt eine im Kreis drehende Geschichte von Fehldarstellungen, Missverständnissen und Wünschen. Das war es.

Blick in den deutschen Pavillon, Foto: © Liam Gillick

Garniert wird das Kunstwerk mit einem hochtrabenden Wortkonvolut Die Küche sei “eine Art Diagramm aus Modernitätsbestreben und Funktionalität” und fungiere zudem als “Echo des angewandten Modernismus”. Und weiter:

“Dieser steht im Gegensatz zu der Erhabenheit des Pavillons, der ohne sanitäre Anlagen, Küche oder Ruhezone gebaut wurde. Die Küchenkabinette besetzen die Übergänge vom zentralen in die seitlichen Räume. Die Küche steht in Spannung zur Logik des Gebäudes. Man könnte vielleicht sogar sagen, dass sie ein Vermächtnis des funktionalen Modernismus ist, und die Aufgabe übernimmt, gegen die Ideologie der Pavillon- Architektur zu arbeiten.

Liam Gillick hat sein tägliches Arbeitsumfeld – seine Küche, die er als improvisiertes Studio nutzt – in den Deutschen Pavillon übertragen. Nach monatelangem Arbeiten in seiner eigenen Küche, umschlichen von der Katze seines Sohnes, beschäftigte er sich mit den Fragen „Wer spricht? Wer spricht mit wem und mit welcher Berechtigung?”, während die Katze stets versuchte, seine Arbeit zu unterbrechen.

Nein, das war nichts, das hätte jeder Kunststudent besser gemacht. Einen weiteren Bericht von der Biennale gibt es in den nächsten Tagen…

Trêve de ces âneries, visitons. Dans l’Arsenal, donc, juste après la très spectaculaire sculpture de Lygia Pape, une salle de miroirs brisés (tous sauf deux : Twenty two less two) dans lesquels on tente de reconnaître des formes, des géographies, des fantômes; au sol, un maillet, du verre brisé, traces de l’action : quelque chose a eu lieu ici, un drame, un exorcisme peut-être, une catharsis. Je n’ai pu hélas assister à la performance de Michelangelo Pistoletto brisant de toute son énergie ces grands miroirs encadrés, comme une tentative d’échapper à la prison de verre, de libérer l’énergie bouillonnante enfermée là, mais en voici néanmoins une photo, en haut.

Plus loin Goshka Macuga (dont j’avais récemment aimé le Guernica) a construit un arc de triomphe dérisoire, tapis entourant deux colonnes comme le S sinue autour des barres dans le signe $. Sur la bannière impériale, des portraits de chefs d’état (pas le nôtre, apparemment). Il faut passer sous l’arche, faire allégeance au dollar et au pouvoir pour poursuivre plus avant, plus ultra.

Une des plus belles installations de l’Arsenal est celle du Camerounais Pascale Marthine Thayou, grand village simplement nommé Human Being, où on va de hutte en bâtisse, écoutant les bruits des artisans, le marteau des forgerons, le bavardage des couturières, le chant des ouvriers. On s’immerge dans les visions et les bruits de ce petit monde au travail, même les odeurs sont là; puis on regarde attentivement les vidéos projetées sur des écrans de fortune et le monde entier est présent, scènes d’Asie, d’Italie se mêlant à celles d’Afrique. Le monde entier est convoqué à l’échelle du village africain. Au delà de son charme immédiat, c’est une oeuvre qui nous parle de mondialisation et de crise bien plus efficacement que l’auteur ci-dessus.

La vidéo de Paul Chan en ombres chinoises (Sade for Sade’s sake) évoque les vases grecs à figures noires, avec ses personnages impliqués dans des activités sexuelles et religieuses (ou les deux à la fois). Ulla von Brandeburg a reconstitué son dispositif théâtral de rideaux qui débouche ici sur un film tourné à la Villa Savoye dans la froideur corbusiérienne où quelques personnages tentent vainement d’apporter un peu de vie sur une très belle musique de Lieder (Singspiel) : une belle poursuite de sa réflexion sur le théâtre et l’espace.

Tout aussi théâtrale est l’installation Pling pling de Cildo Meireles qui nous fait passer de pièce en pièce par tout le spectre des couleurs : six salles en chicane, chacune absolument englobante, monochrome des murs et de l’écran. Meireles combine magistralement ici son travail conceptuel et sa capacité à rendre magiques des installations toutes simples.

Dans le reste de l’Arsenal, les politiquement corrects trouveront même un artiste tibétain, les amateurs d’effet conceptuel aimeront les vitraux de Spencer Finch (Moonlight), les amoureux facétieux iront habiter les sculptures de Miranda July, les explorateurs s’aventureront dans le marais de Lara Favaretto et les sportifs feront des anneaux chez Bill Forsythe. Citons encore les cordes de cheveux de Sheela Gowda, les mains de Bouddha géantes de Huang Yong Ping et les bouts d’asphalte parsemés ici et là de Renata Lucas.

Voilà tout ce qu’on peut voir à l’Arsenal du travail de Daniel Birnbaum quand on ouvre les yeux au lieu de s’en tenir à des préjugés éculés. Allez voir (jusqu’au 22 novembre) !

Photos 2, 4, 5, 6 et 7 de l’auteur; photo 1 D.R.; photo 3 courtoisie du service de presse de la Biennale.

Armin Karge hat einen gut gemachten Kurzfilm entdeckt: “The Black Hole“, in dem es, wie er schreibt, “schlicht um Gier” geht. Vertrieben wird dieser knapp drei Minuten lange Film von Future Shorts, einem Kurzfilmlabel, das sich als Netzwerk versteht,

“that allows filmmakers the opportunity to have their work seen on the largest theatrical platform worldwide”.

Natürlich hat ein solches Netzwerk nicht nur eine (gut gemachte) Website, sondern auch einen eigenen YouTube-Kanal, auf dem sich jede Menge sehenswerter Kurzfilme befinden. Es lohnt sich, sowohl der Website als auch dem YouTube-Angebot einen Besuch abzustatten. Mein Favorit: “Maybe One Day“:

Pourquoi de tels écarts entre deux initiatives comparables ?
Serait-ce car un effort technique et artistique est à fournir ?
Serait-ce car les anglais se sont bien plus appropriés Flickr que les français ?
Serait-ce car la page dédiée à l’expo Warhol est moins fréquentée que le site dédié à l’expo Colour Chart ?
Serait-ce car le lien vers le pool est moins visible ?

Avez-vous d’autres pistes d’explication ??

Dans les Giardini, l’Australie déroute avec une vision initiale très Mad Max de Shaun Gladwell. Mais il ne faut pas se laisser rebuter par ces rodomontades, car à l’intérieur, Gladwell présente deux installations beaucoup plus intéressantes (qui sont curieusement absentes du dossier de presse) : la Suite pataphysique centrée (ci-contre) est une colonne de six écrans TV. Sur chacun d’eux, un personnage tourne inlassablement sur lui-même, une femme sur des échasses, un break danseur, un skateur, un monocycliste, un homme brandissant ce qui ressemble à une barrière de chantier, et un pseudo gogo danseur autour d’un poteau, chacun à son rythme sur des tempi différents. Ce sont des danses lentes, aux points d’appui précaires, un équilibre fragile et hallucinant. Juste en face un (vrai?) crâne humain tourne sur lui-même et sa giration est retransmise sur un petit écran qui le masque (Endoscopic Vanitas; ci-dessus).
En un autre lieu (Ludoteca), l’Australie présente quatre jeunes artistes : si les planches de surf aborigénéisées de Vernon Ah Kee manquent de subitilité, l’immense cube noir de cassettes VHS de Claire Healy & Sean Cordeiro est assez impressionnant. J’ai beaucoup aimé les coraux de Ken Yonetani, mis en scène avec une poésie toute Zen (Sweet Barrier Reef); tous ne sont pas aussi sexuellement explicites que celui ci-contre.

Le pavillon japonais est tout à fait déroutant. Drapé de noir, il abrite des portraits de femmes gigantesques et effrayantes, toutes mamelles dehors, les Windswept Women de Miwa Yanagi. On s’apprête à faire demi-tour aussi sec devant cet hideux avatar de manga quand on remarque dans un coin une tente noire, image réduite de celle qui enveloppe le pavillon; il faut se pencher, se contorsionner pour voir, à peine visible au fond de la tente, une vidéo montrant ladite tente en marche, supportée par des femmes dont ne dépassent que les jambes, au bord de la mer semble-t-il (The old girls’ troup). Cette tente-tortue processionnelle a un aspect solennel et mystérieux, marche funèbre ou fuite salutaire. Même si on ne partage pas les fantasmes de Miss Yanagi, cette partie de l’installation est assez envoûtante.

Sept artistes se partagent le grand pavillon russe. Pepperstein a surtout un intérêt historique et la pièce d’Alexei Kallima, une fresque de fans de football sous lumière noire, hurlant jusqu’à un orgasme final de lumière éblouissante, est un peu trop facile, ou en tout cas son apparence détourne de la complexité qu’on devine en apprenant que l’artiste est Tchétchéne. Gosha Ostretsov construit un labyrinthe de cabanes en bois au bout desquelles on arrive à l’automate de l’artiste au travail : un peu trop tape-à-l’oeil à mon goût. Deux des artistes du pavillon se distinguent à mes yeux : Anatoly Shuravlev a reproduit en un format minuscule les effigies de ceux qui ont fait l’histoire et les a disséminées, les unes dans un nuage de petites billes de verre suspendues au plafond, les autres sur de petits pins au mur; ce qui, au premier abord, apparaîtrait comme une installation formelle minimale se révèle, au prix d’un regard méritant, yeux plissés, sourcils froncés et nuque courbée, comme une immense fresque historique (Black Holes).  
Tout aussi politique est l’installation d’Andrei Molodkin où deux victoires de Samothrace en verre accueillent l’une du sang et l’autre du pétrole, qui s’écoulent incessamment à l’intérieur (Le Rouge et le Noir). D’ici la fin de la Biennale, le verre sera devenu opaque sans doute, une des statues sera rouge et l’autre noire, pleines des limons déposés par les deux liquides, mais pour l’instant, les jeux de lumière et de transparence sont somptueux. Au mur, trois gigantesques vidéos en direct des statues, celle du milieu combinant les deux images, sang et pétrole se mêlant. Argent et mort sont maintenus à distance du spectateur, derrière le cristal de cette victoire acéphale. Victoire sur le futur est le titre du pavillon.

Le pavillon serbe est particulièrement déroutant : y cohabitent Zoran Todorovic avec 1200 mètres carrés de tapis faits de cheveux humains (200 personnes par mètre carré, un vrai projet économique), tapis empilés en cubes minimalistes et disponibles à la vente (j’ai hésité), et Katarina Zdjelar dont les vidéos montrent des leçons de prononciation pour étrangers (But if you take my voice, what will be left to me ?). Cheveux et accent, deux éléments de notre identité que nous tentons parfois de changer, de rendre plus conformes, plus acceptables, ce qui, en même temps, nous dépouille, nous norme, nous neutralise. Le travail de Zdjelar sur l’acculturation me semble riche à explorer.

Enfin, pour clore la visite des Giardini, il ne faut pas manquer le travail sur le portrait de Lucas Samaras au pavillon grec, Paraxena. L’installation à l’entrée, Doorway, nous renvoie notre propre image. Plus loin, vingt quatre personnes, chacune dans son écran (y compris Chuck Close, Claes Oldenburg et Jasper Johns) regardent, de l’autre côté du passage une vidéo de Samaras se dénudant; les 24 regardeurs sont filmés de près, nets et précis, alors que le corps de Samaras est flou et déformé (Ecdysiast and Viewers). Ecdysis désigne la mue des arthropodes, ainsi le crabe quand il change de carapace; ce projet est comme une réjuvénation inversée d’un travail ancien de Samaras, The sittings, où les visiteurs posaient nus aux côtés de l’artiste habillé.

Hors des Giardini, pour conclure la partie ‘nationale’ de la visite, trois impressions. Le projet d’Abu Dhabi (ADACH) à l’Arsenale Novissimo est hypermoderne, efficace et encourageant; il manque un peu de chaleur, à l’exception du réjouissant bric-à-brac de Hassan Sharif sur la mezzanine. Le pavillon palestinien, une première à Venise, souffre de la non-réalisation, pour cause de refus, révélateur, des politiques locaux, du projet d’Emily Jacir qui voulait simplement inscrire les noms des stations de vaporetto du Grand Canal en arabe (Stazione) et transformer ainsi l’aspect de la ville, lui rappelant son passé historique tourné vers l’Orient. L’autre pièce marquante, visible elle, est Hannoun (le coquelicot) de Taysir Batniji où un champ de fines lamelles de bois rose, résultant de la taille des crayons, nous sépare d’une photographie, celle du studio de l’artiste à Gaza, où les Israéliens lui interdisent de retourner depuis 2006 (et une autre pièce égrène la litanie de ses jours d’absence); c’est une installation discrète et mélancolique : pour atteindre la photo, il nous faudrait piétiner ce champ de coquelicots, fleur qui évoque aussi les soldats tombés au champ d’honneur. Et je parlerai demain de Mona Hatoum.

Enfin, dernier pavillon que je veux évoquer, celui de Chine au bout de l’Arsenal, avec le domino géant en rhizome de Qiu Zhijie et surtout la collection de monochromes de He Sen : à y regarder de plus près, chacun est orné très délicatement d’un motif traditionnel chinois, inscrit en creux dans la peinture.

Photos 1,2,5,6,10 et 11 de l’auteur. Autres photos courtoisie des services de presse. Taysir Batniji étant représenté par l’ADAGP, la photo de son installation sera ôtée du blog à la fin de la Biennale.

Voir tous les snapshots…

Dans l’Arsenal, une des installations les plus spectaculaires est celle du pavillon chilien, qui tranche sur la fadeur des autres Latino-Américains. Iván Navarro, avec Threshold, présente un couloir de la mort (ci-dessus), juxtaposant treize portes d’aluminium magiquement habitées par un néon, qui créent une illusion saisissante, comme un arc-en-ciel vers l’abyme, cependant qu’à côté, un puits reflète le mot BED à l’infini : nous sommes en effet sur le seuil, prêts à basculer dans l’irréel, l’illusoire. C’est très simple et très beau (sa troisième pièce, une sculpture cum video, est trop littérale pour avoir la même force).

Alors que tant d’états présentent leur pire art officiel (j’ai cité l’Iran avant-hier, mais c’est tout aussi vrai de l’Arménie, d’Israël ou du Maroc), on ne s’attend guère à être étonné par le pavillon non-officiel de l’Arabie Séoudite au Palazzo Contarini (jusqu’au 2 août seulement). C’est donc une agréable surprise d’y retrouver les photos voilées et tourbillonnantes de Faisal Samra, les figures féminines volontaires de Manal al Dowayan et les compositions en boîtes de Kleenex de Ayman Yossri Daydban. Mais encore mieux, j’y ai découvert Ahmed Mater Aseeri et son Magnétisme, jeu d’attraction et de répulsion, organisation du monde par des voies impénétrables, que j’ai lu comme une réflexion sur la religion (d’ailleurs, ne serait-ce pas une pierre noire ?). Les deux soeurs Shadia & Raja Alem créent des installations intimes et mystérieuses, l’une combinant l’érotisme de la chevelure et la froideur utilitaire de l’ordinateur, l’autre dissimulant derrière un rideau de films négatifs un corps féminin drapé de noir baigné dans une lumière chaude et sensuelle (Negative no more) : une réflexion sur la féminité qui va bien au delà des stéréotypes. Bien mieux que ce que j’attendais là.

De retour aux Giardini, il faut voir deux autres pavillons, et d’abord celui de la Pologne, tout en longueur : Krzysztof Wodiczko y a installé des écrans sur trois murs et au plafond. Des êtres à peine visibles, des quasi fantômes y apparaissent comme derrière du verre dépoli, dans une brume épaisse et y accomplissent des gestes quotidiens, lavant méthodiquement les vitres. Parfois, il pleut. Ce sont des invités, Guests, comme on dénomme les immigrés en Allemagne Gastarbeiter, travailleur invité, des hommes et des femmes à côté de qui nous passons tous les jours, mais qui sont invisibles à nos yeux, fondus dans le paysage urbain, simples mécaniques de notre moteur économique à qui nous avons dénié toute existence réelle. C’est un spectacle dont on ne peut se détacher.

Et puis Fiona Tan, hollandaise d’honneur, dont, à côté des deux grandes installations vidéo (’Disorient’ sur Marco Polo et ‘Rise and fall’ sur les âges de la vie d’une femme), j’ai beaucoup aimé Provenance, une série de petits portraits vidéo, scènes de la vie quotidienne. Elle se rattache fort bien à l’art classique du portrait, inspirée par les portraits hollandais du siècle d’or. Pour une migrante comme elle, que peut bien être la provenance ?

Photos 3, 4, 5 & 7 de l’auteur; photos 2 et 6 courtoisie du service de presse de la Biennale; photos 1 et 8 provenant de catalogues.

On soulignera la mise en valeur des actualités avec des espaces A la Une et Actualités qui se présentent comme une plateforme de blog, avec des articles rangés anti-chronologiquement.

A noter, un module de réservation en ligne (sous réserve des disponibilités), un plan d’accès sous gMaps, un module de demande de rendez-vous à destination des enseignants pour préparer leur visite.

Bruce Nauman a obtenu le Lion d’or de la Biennale et ça ne surprendra personne. Mais c’est une drôle d’idée pour les États-Unis d’avoir présenté un artiste aussi indubitable, aussi confirmé, d’avoir fait preuve d’aussi peu d’audace. C’est donc un beau pavillon, avec des pièces assez anciennes, présentées de manière très muséale. À l’extérieur, péchés capitaux et vertus cardinales, à l’intérieur, entre autres, une piscine noire avec des têtes fontaines. Respect, mais pas d’émotion. Le seul pincement de coeur vient de ce que sa fameuse spirale The true artist helps the world by revealing mystic truths est accrochée à l’envers, illisible de l’intérieur du pavillon: il faut se frayer un chemin parmi les buissons à l’arrière de la bâtisse pour en lire le texte, sortir pour mieux voir (à droite). De même, il faut sortir des Giardini et aller sur les campus universitaires de Venise (jusqu’au 18 octobre) pour découvrir des pièces récentes et stimulantes de Nauman : les séries Days (à IUAV Tolentini) ou Giorni (à Ca’Foscari) comprennent chacune quatorze haut-parleurs dissimulés dans des écrans blancs suspendus en deux rangées parallèles, qui égrènent en anglais ou en italien, avec des accents et des tonalités diverses, les noms des jours de la semaine dans un ordre parfois régulier et parfois erratique, voire chaotique; c’est une superbe métaphore du temps. Le couloir du cloître éclairé de néons à Tolentini date certes de 1972, mais il est superbe (Pink and Yellow Light Corridor (Variable Lights)); et à Ca’ Foscari, deux jeunes étudiantes de l’université dansent sur une double vidéo, au sol et au mur, se tordant au sol en se tenant par les mains, sur un cadran carré dont l’image elle-même tourne, comme une spirale temporelle sans fin (Untitled, 1970-2009).

Ensuite, rien de surprenant si vous avez lu précédemment ce que j’écrivais sur lui, j’ai bien aimé Le Grand Soir de Claude Lévêque. Dans l’espace clos du pavillon français, nous sommes parqués, enfermés derrière des grilles, dans des cellules prêtes à nous accueillir, comme dans un camp, à un checkpoint: régime d’oppression, de terreur, de surveillance (on cherche machinalement les caméras de vidéosurveillance). Et le bruit du vent s’amplifie, grandit : au fond, à peine visibles, les drapeaux noirs fasseyent. Serait-ce un message d’espoir, après tout ? Ce grand soir nous sauvera-t-il, ou annonce-t-il une fin tragique ? L’opposition entre clair et obscur, entre rugueux et lisse, l’économie de moyens et la magie de la transformation de l’espace sont bien au rendez-vous, mais, pour être franc, c’est une pièce moins puissante, moins évocatrice que mes installations préférées de Lévêque : un peu trop dépouillée, un peu trop parcimonieuse, trop sèche je trouve (Catalogue en vente chez Dessin Original pour 46.55 euros).

Enfin (pour aujourd’hui), l’exposition de Péter Forgács au pavillon hongrois ne semble d’abord pas payer de mine : des vidéos de morphing de Rembrandt animées d’imperceptibles mouvements, bof ! Et puis on avance vers des murs de portraits, vers une tête pour phrénologue et on réalise l’ampleur historique de son projet (Col tempo - il progetto W.) qui se penche sur la manière dont les nazis hier (et d’autres oppresseurs aujourd’hui) analysent les caractéristiques des visages et des crânes humains pour catégoriser, classer, discriminer. Avec une variété de représentations (photos, vidéos, dessins, installations), c’est une décomposition de l’anthropométrie, de la réduction de l’homme à ses caractéristiques physiques, de l’ethnocentrisme communautariste et de l’épuration qui l’accompagne. Yeux de verre et mèches de cheveux (ci-dessus et ci-contre) sont là pour étalonner, cataloguer, inclure ou exclure : êtes-vous aryen ? juif ? palestinien ? tsigane ? On saura tout de vous. Le Docteur W est l’anthropologue viennois qui en 1939, classa ainsi la population juive de la ville. Gershon Evan fut l’un d’eux; 70 ans plus tard, il contemple l’empreinte faciale qu’on fit alors de lui, jeune homme. En sortant de l’exposition, on se heurte à un miroir un peu déformant et on regarde son propre visage avec inquiétude. C’est assez terrifiant.

La suite demain, avec Pologne, Pays-Bas, Chili, Mexique et Arabie Séoudite.

Claude Lévêque, Bruce Nauman et Peter Fergacs étant représentés par l’ADAGP, les photos de leur travail seront ôtées du blog à la fin de la Biennale. Photos de l’auteur, sauf la première évidemment et excepté Pink and Yellow Light de Bruce Nauman (courtoisie du pavillon américain).

A fantastic array of skulls, each a different shape and size, adorn the facade of the Belgrade Cathedral in Szentendre, Hungary. The otherwise relatively cheerful Baroque-Rococo red cathedral was completed in 1764 and was the seat of the Serbian Orthodox bishop in Hungary. Szentendre was home to many Serbians at the end of the 17th century who had fled the Turks.

Belgrade Cathedral Flickr Set

The contest is to design a poster for this beautiful and fascinating film about insects and Japanese culture. The winner will receive $350, a bunch of prizes, and a chance to design further ephemera for the film. Entering the contest also entitles you to an exclusive look at the film, you lucky duck, you.

More information on entering can be found at Designer Daily, where the contest is being hosted.

It is fitting location for artist Jennifer Angus to show her work. Nestled within the Ballentine House, Angus has taken two rooms, the former rooms of the two Ballentine children, and covered them in insects. From a distance it looks like wallpaper, but upon closer inspection, the walls have been covered in thousands of precisely pinned bugs. Giant pink grasshoppers, perfect replicas of leaves and iridescent jewel beetles all swarm the walls in orderly geometric patterns.

Around the room beautiful octagonal shadow boxes hold scenes of insects, while cabinets display carefully pinned and labeled specimens and display cases hold wax dioramas in which insects play out fairytale scenes. In these two rooms, Angus imagines that young Percy and Alice Ballentine were perhaps amatuer entomologists, and their collections have completely taken over their rooms. The Victorian obsession with amassing, collecting, and displaying is evident, and the art both melds with, and is dissonent from the surroundings.

The soothing beauty of geometric patterns draws you in, instilling a sense of comfort in the ordered, but upon closer inspection, the very fabric of the wallpaper is breathtakingly beautiful. Angus creates a frame in which we can take a moment to appreciate the artistry of Mother Nature. The installation is up only until June 14th, and it’s well worth any effort it takes to get there to see Insecta Fantasia.

Curious Expeditions had to know more about the person responsible for such wondrous rooms. So we asked her, and Jennifer Angus generously agreed to answer some of our questions. So without further ado, Jennifer Angus!

What are some of your inspirations?
In particular I draw inspiration from the Victorian era. It was a time of travel, collecting and very dubious taste. In my mind the elephant’s foot umbrella stand is the quintessential item that defines the period because it is exotic yet grotesque. I also feel inspired by taxidermist Walter Potter who lived during this period. He created over the top scenes in which animals were anthropomorphized to enact scenes such as the kitten wedding and the rabbit school room. They are absolutely amazing but rather horrible too. I suppose that more than anything I try to channel an aesthetic in which there is no such thing as too much!

What artists do you draw inspiration from?
I tend to look at historical periods and other cultures for inspiration rather than other artists. That said I do have a list of artists I identify with. Petah Coyne’s waxworks are amazing in their detail. I love the way the work evokes a feeling of the grotesque and the macabre.

I am a big fan of the collaborative team of Nicholas Khan and Richard Selenick. I enjoy the nostalgia of another era and really engaging narrative that emerges in their work. I saw their show World’s Discovered at the John Michael Kohler Arts Center. In one work modern day astronauts chance upon an Edwardian era space crew. It’s absurd but almost believable. The same is true with the story they created around an iceberg hitting land and how a town adapts to this mountain of ice suddenly thrust upon them. They created supposed artifacts from the era as well as photo documentation. I love stories so this work is very appealing to me. I also enjoy the other worldly quality in the work. It’s something I am trying to create in my work too.

For the same reason I enjoy the work of Walter Martin and Paloma Munoz. Their snow globe worlds are disturbing, surreal and absolutely compelling.

Can you talk about your artistic background, schooling, ect?
I am Canadian. I did my undergraduate work at the Nova Scotia College of Art and Design with a major in textiles and a minor in art history. I received my MFA from the School of the Art Institute of Chicago in Fiber.

Have you always been fascinated with insects, or did your work lead you to them? (Were you ever an avid amateur entomologist like the imagined Percy and Alice?)
I never liked insects, after all I grew up in Canada where most things seem to be black or brown and bite or sting. I have a revulsion for earwigs in particular (I remember husking corn in summer and they sometimes fell out onto the table) and I think junebugs are the stupidest insect I have ever seen because of the way they get stuck on their backs and buzz around trying to right themselves.

I spent time in the mid eighties and early nineties in the region known as the Golden Triangle (Thailand, Laos, Myanmar, formerly Burma). I was photo documenting tribal minority dress. Life has changed there dramatically over the past 20+ years and these images are quite an important document of a life now irreparably changed primarily due to the building of roads into remote mountain villages. I stumbled upon a garment known as a “singing shawl”. It was embellished with a fringe of green metallic beetle wings (elytra). I was enchanted. I had never realized that insects, besides butterflies, could be beautiful. This was the start of my interest in insects.

What was the inspiration for the waxwork in your fairytale dioramas?
I made a wax tableau that I call “Ode to the Queen Bee” in 2006. In it many forest and sea animals appear to have to come to worship at the altar of the queen bee. All the pieces are beeswax, cast in molds. I saw this piece as a comment on one of the positive relationships man has with insects – in this case bees. Man has sought to tame bees for centuries in order not to be stung while stealing their honey. Honey has been a powerful commodity through time and many cultures. Of course bees have such an important role to play in our food chain. Seventy percent of the food we consume is the result of insect pollination. Without them we would be eating meat and grains. Most of my work has focused on the negative associations we have with insects but this piece I see as a tribute.

Once I had made the work I liked the strange monochromatic world I had created. This led me to the fairytale dioramas – wax worlds in which insects enact famous fairy tales. It was quite funny when I was trying to decide which species would make the best villain or the most handsome prince. I discussed it at length with my studio assistant. Anyone over hearing our conversation would have thought we were crazy!

How do you obtain your insects?
The insects come from specimen dealers. Mostly I work with Alain van Vyve in Belgium. He has supplied insects to Jan Fabre well known for his own insect installations.
None of the insects I use are on the endangered species list. In fact most insects on that list are there due to loss of habitat not over collection. It is virtually impossible to over collect a species unless it comes from a very small ecosystem – like an alpine meadow. Some of the weevils I use are actually farmed so prized are they by collectors for their iridescent colours. The others are collected by indigenous people who live in the region and make a livelihood at this occupation. Most of my insects come from Southeast Asia although I do a have a few African and S. American species.

I have visited the habitats in Thailand and Malaysia. I thought it was important to know where they come from. All I can say is that I have real respect for the people who collect them. They are really hard to see because their camouflage is fantastic! Many species are caught at night. I once went on a night hike in Tama Negara in Malaysia and it was scary!

How many do you have?
Between 25,000 to 30,000.

Do you have a favorite insect?
My favourite insect changes from installation to installation but I love Sania Intermedia. It’s a katydid from Thailand and it is has brown and yellow wings. It looks so elegant, as if it was wearing a ballroom gown. I also like the weevils. With their long snouts they remind me of schnauzers.

I noticed you don’t use butterflies, is there a reason?
There are two reasons I don’t use butterflies. The first is very practical – they are too fragile and don’t hold up to repeated use in the installations. The other reason is that everyone knows a butterfly is beautiful. I prefer to use insects that perhaps people haven’t considered that way before.

What came first, the interest in insects, or in Victorian pastimes?
I’m from Canada and we celebrate Victoria Day! As a kid I knew it as fireworks night. It was the only time we had them. We also sang God Save the Queen at school in the morning. I always wondered what terrible thing was happening that she needed to be saved. The whole point of this is that I think that since Canada is a member of the Commonwealth I was probably more aware of British history and style than my peers in the USA. Both of my parents were enthusiastic about history and travel. For two years my family lived in a house at Niagara-on-the-Lake that was General Brock’s headquarters during the war of 1812. The house was amazing because it came with antique furniture. Things like a big walking wheel (spinning), cannon balls that had come through the walls and I think there was a hair wreath. Around that area there are all sorts of historic forts and pioneer villages. I loved those places.

But most importantly I lived for several years in Niagara Falls, ON when I was a child. If you live there then the Falls are not particularly exciting but there are lots of cool museums too. On a rainy Saturday or Sunday my parents would drop my brother and I off with money for museum entrance and we would spend a couple of hours viewing the exhibits. Our favourites were the Houdini Wax Museum, Ripley’s Believe it or Not and the Niagara Falls Museum. The latter was an old Victorian style museum. We would go up to the top floor where they kept the animal oddities – creatures like the five legged calf and the two headed dog. We loved that stuff! There were also insect collections that had been put in shapes or spelled out words.

I suppose my knowledge of Victorian pastimes came first.

Where do your objects come from, like the dollhouse, suitcases, half-domed shadow boxes and octagonal frames?
What would an artist do without E-bay?! The trunks I got there. The octagonal and circular frames I found from companies online. The dollhouse is a reproduction put together by my studio assistant.

I love all of the tiny details everywhere. Are your wall designs mapped out ahead of time, or do you improvise when you are in the space?
When I begin a project one of the most important things to me is the floor plan with exact measurements. Once I have that then I begin working in Photoshop. I have a picture of each insect to scale. I run through multiple pattern possibilities this way. I also lay out the insects in my studio. Insects are like people – they come in different sizes. Sometimes I have found that just copying an insect in Photoshop causes problems. There have been some plans that I have been able to create on the computer but not on the gallery wall because of size variation.

I have to plan this way because I need to know how many insects I am going to need. It would be terrible to come up short! I always stress about this, second guessing my estimations and making myself crazy. Rarely do I improvise although having just said that I did have a spontaneous moment in Kansas City last week. The installation went so quickly and I had extra insects. Since I still had time I decided to create a swarm on a wall that originally I had not intended to use. I think it looks amazing. If anyone is in Kansas City please check out the show at the Belger Art Center at 2100 Walnut St. It will be up all summer.

Your wallpapers and curtains are stunning. What was the inspiration for the print, and how do you print it?
The wallpapers came out of necessity. I had a lot of great exhibition opportunities yet I didn’t have the insects to do them all in my usual way. I teach textile design at the University of Wisconsin – Madison. I decided to draw upon the skills I use every day in teaching students how to develop and design repeating pattern. Mostly we print on cloth but wallpaper is a sibling so it wasn’t a stretch. The wallpaper is screen printed and I can print up to 28’ in length. There are 2 tables in the studio so in fact I can print 56’ in about half an hour. Of course that doesn’t take into consideration design time, prep time and clean up. The screens I use are large – 3’ x 5’ and that’s why it is possible to print so much so quickly. It does require 2 people to print – one on each side of the table and we pass off the squeegee in the middle.

I design patterns with the intention of filling in spaces with real insects. This allows me to use fewer insects but still has the interest and integrity of the work I like to do.

Two major themes I noticed in both Insecta Fantasia and much of your past work are geometry and pattern. How does this relates to insects?
I really believe pattern functions as a subtle and sophisticated language. What pattern we wear says something about us. In my travels in Southeast Asia I have learned that pattern can identify ethnic identity, village locale, marital status, status within a community and even a physical state, e.g. pregnancy.

Patterns that we put on the wall range in size from small, appropriate for a bedroom to the very large which are considered grand and can be found in ballrooms and formal spaces. This is a form of communication that is culturally understood. When I put the insects in a pattern I am giving visual clues as to the purpose of the space.

Pattern on walls suggest an interior space … however what’s the one thing you don’t want to find in your home! Yes, bugs! There’s a tension with the juxtaposition of pattern/familiarity and the great abhorrence we have for the six legged world.

In addition I think there can be no denying that man has sought to control nature throughout time. I find that even the greatest insect hater can tolerate the insects in patterns – it’s a form of control. When I put them in a swarm-like formation, something that is more natural to how they might be found in the wild many people tell me they feel scared and uncomfortable

This exhibit references the Victorian era and collecting. Are you a collector in your personal life as well?
Of course! I collect insect related artifacts – cricket cages, carvings of insects, as well as Victorian era children’s books on insects. I also have a collection of beaded things, bags, amulets, baskets as well as great textiles acquired during my travels.

What’s next for you? Do you have any new exhibits coming up?
Small World: Secrets of a Collector, solo show at the Belger Art Center, Kansas City until June 4th
Exploded View, group show at the Ottawa Art Gallery, Canada, Feb. 25th – May 9th 2010
Solo show at the Art Gallery of Sudbury, ON, April 17th to August 8th 2010
Racine Art Gallery, WI, Solo show April 25 - September 12
The Sitting Room, Philadelphia Art Alliance, Fall 2010
I am also working on a series chapter books, four in all entitled Diary of an Entomologist, In Search of Goliathus Hercules. These are geared to 10 -14 year olds. It’s the story of a boy who finds out he has the ability to speak to insects and sets out on a journey to find a mysterious insect. They should be available in 2010. I am also illustrating them – 60 illustrations per book.

Your bio mentions that you’ve spent considerable time in Southeast Asia. Do you have any curious stories from your time there?
I have had many memorable experiences but the one that relates to insects is seeing synchronous fireflies in Malaysia. There are only two places in the world where this type of firefly exists. The other place is in the Smokey Mountains of TN. No one quite knows why they flash at the same time but it is an absolutely amazing sight. Often they appear as waves of cascading light starting at the tops of the trees and spreading downwards. So beautiful and so magical!

Was das hier zu suchen hat? Ich habe im aktuellen journalist, der Zeitschrift des Deutschen Journalistenverbands einen interessanten Artikel entdeckt, der von einem neuen Projekt zweier Frankfurter Journalisten berichtet, die mit einer neuen Fernsehzeitschrift auf den Markt wollen. Ein Dummy, ein Muster, hat man auch schon produziert. Die neue Zeitschrift soll “PROGRAMM – MAGAZIN FÜR FERNSEHEN UND KULTUR” heißen.

Leider blitzten die beiden mit ihrer Idee bei den großen Verlagen bisher ab. Der Markt sei gesättigt, die Zielgruppe zu spitz (die Zielgruppe ist zu klein und zu deutlich eingegrenzt) – um Ausreden ist man in Zeiten der Wirtschaftskrise nicht verlegen, um das Projekt nicht auszuprobieren. Dabei wäre es genau die Fernsehzeitschrift, die ich mir wünschen würde und ich glaube, viele andere auch. Tolles Design, keine Texte von der Stange und ein gehobenes Niveau rund um Fernsehen und Kultur und abseits des Promigeplauders. Angeblich sei sie auch zu teuer, dabei wäre ich gerne bereit, 2,50 Euro und damit einen Euro mehr auszugeben, wenn ich dafür das Heft in der angebotenen Qualität bekäme! Dass die Idee funktionieren kann, zeigt Télérama in Frankreich mit einer Auflage von 50.000 bis 100.000 Exemplaren pro Ausgabe. Liebe deutsche Verlage: Ihr seid Feiglinge!

Titelbild des Dummy von PROGRAMM

Warum ich das schreibe? Ich habe die Hoffnung, dass möglich viele Menschen davon Wind bekommen und das Heft abonnieren wollen. Das kann man bereits, zwar ist das nur eine Absichtserklärung und kein rechtsverbindliches Abonnement, aber vielleicht wird die Zahl der Abowilligen so groß, das sich doch noch Verlag findet. Zu wünschen wäre es! Ich würde glatt kostenlos arbeiten…

Mehr unter: www.programm-magazin.de

It has a while coming but it is finally ready (well, mostly, we are still in Beta and plan to continue changing and improving the site throughout the year) to show the world. One of the most important things about the Atlas and one way in which it differs from Curious Expeditions as well as other curiosities and travel blogs is that it is (a la wikipedia) a user generated site. One of the first things we realized about the site was that to make an Atlas of wonderous places and have it be really great, the kind we would want to use,  we could never do it alone! This is where you, the readers of Curious Expeditions come in!

The Atlas Obscura depends on a community of far-flung explorers, including you, to find and write about the world’s wonders and curiosities. If you have been to, know of, or have heard about a place that belongs in the Atlas Obscura, (and I know you have because sometimes you write me about them!) we want you to tell us about it. We are looking for those out-of-the-way places that are singular, eccentric, bizarre, fantastical, and strange, the kind of places that Curious Expeditions has so much fun going to. Examples include an Icelandic phallological museum, an enormous castle built by one man, and a 300 meter hole in the middle of the desert that has been burning for 35 years. Of course, it need not be this exotic, many of the best places in the Atlas are little local museums and oddities, a wonder may very well be in your own backyard.

Anyone and everyone is welcome and encouraged to nominate places for inclusion, and to edit content already in the Atlas. We would love for you to come by, take a look around, give us any comments about what you like/dislike and if you like what you see, and sign up a user profile! We are exceedingly proud of the Atlas and hope you enjoy it as well. Yours in Curious Expeditions, D and M

Das Haus selbst ist ein wahres Schmuckstück. Es liegt zentral in der Innenstadt nahe des Königlichen Palastes und des Museums der Schönen Künste am Place Royale (Koningsplein). Untergekommen ist das Museum im klassizistischen Altenloh-Palast, der entkernt, komplett saniert und nach modernsten Gesichtspunkten als Museum neu eingerichtet wurde. Im Erdgeschoss liegen Eingang, Kino, Shop und Buchladen, in den oberen drei Stockwerken sind die Arbeiten des Künstlers und im Untergeschoss gelangt man in das benachbarte Museum der schönen Künste.

Und weil es so schön ist, bekam Hergé am gleichen Tag ebenfalls ein Museum in der belgischen Hauptstadt. Für mich als Tim und Struppi-Fan fast noch sehenswerter…

Weitere Informationen: www.musee-magritte-museum.be und www.museeherge.com